A pesar de cierta aprensión de la industria de poner su trabajo en subasta, en 2013, un Ruth Asawa la escultura, titulada Untitled (S.108 Hanging, Six-Lobed, Multi-Layered Continuous Form Within a Form) (finales de la década de 1960), rompió su alta estimación de $350,000, vendiendose por la enorme suma de $1.4 millones en Christie’s. La escultura de alambre colgante similar a la ameba de 11 pies de altura fue vendida en conjunto con la exposición de la casa de subastas “Ruth Asawa: Objects and Apparitions“, que fue la primera vez que el escultor recibió una exposición individual en la ciudad de Nueva York en más de 50 años. Everything She Touched: The Life of Ruth Asawa—una nueva biografía de la vida de la artista de Marilyn Chase— detalla cómo, acostada en su lecho de muerte un día después de la venta sin precedentes, la artista de 87 años estaba acompañada por dos de sus hijas, Addie y Aiko, que le dieron la noticia susurrándole al oído: “¡Mamá, ahora estás jugando con los grandes!”. En la última década, el trabajo de Asawa ha visto un aumento casi meteórico en popularidad.
La pasión de Asawa por el arte se desató a una edad temprana y abarcó toda una vida. Más conocida por sus esculturas a gran escala, intrincadamente tejidas y comisiones de arte público, Asawa fue un pilar de fuerza y un maestro para muchos. Su introducción al arte visual llegaría durante un momento difícil en su vida, pero su espíritu resiliente se negó a ser definido por circunstancias negativas. Décadas de dedicación a su oficio y un encuentro casual de carrera con el director de David Zwirner, Jonathan Laib ayudaron a consolidar aún más el legado de Asawa como uno de los más grandes escultores estadounidenses. Asawa nació en Norwalk, California, en 1926 de los inmigrantes japoneses de primera generación Umakichi y Haru Asawa. Era la hija intermedia de siete hijos, todos los cuales trabajaban horas interminables en la fructífera granja de camiones de su familia, además de asistir a la escuela. Asawa más tarde recordaría valores importantes que su madre repetiría constantemente: gaman—resistencia; nintai—paciencia; y enryo—moderación. Cuando no trabajaba en la granja, o hacía trabajo escolar, dibujaba. Asawa dibujaría dibujos animados populares como Little Orphan Annie y Blondie,soñando con asistir a una escuela de arte algún día. La brutal realidad de la política, la guerra y la intolerancia racial duradera pondría este sueño en espera, pero no para siempre.
En una entrevista reciente, Chase, el autor del libro, hizo hincapié en la capacidad innata de Asawa para crear algo hermoso a partir de cualquier situación. “Lo que más me inspiró fue su habilidad para convertir espadas en arados”, dijo Chase. “Cada vez que la vida le asesaba un golpe, lo convertía en algo maravilloso, algo creativo”. En la primavera de 1942, la familia Asawa hizo que su mundo se pusiera completamente patas arriba. En respuesta al bombardeo de Pearl Harbor y la emergente Segunda Guerra Mundial, el presidente Roosevelt ordenó a más de 100.000 ciudadanos japoneses-estadounidenses colocarlos en campos de internamiento. Separados durante años de su padre, los niños Asawa y su madre se vieron obligados a adaptarse a las condiciones inimaginables de vivir en un campo de prisioneros. Sin embargo, en medio de esta situación violenta, la tenacidad artística de Asawa floreció. Fue durante este tiempo que conoció a tres internados que trabajaron como animadores en Walt Disney antes de ser empujados a internarse. Estos artistas profesionales enseñaron clases a los estudiantes en el campamento y ayudaron a Asawa a perfeccionar sus propias habilidades de dibujo.
Asawa viviría en campos de internamiento durante más de un año antes de que se le concediera un comunicado previo a la guerra para asistir a la universidad. Asawa partió para la escuela de enseñanza de arte en Milwaukee, calculando que una carrera como profesor de arte era más factible que convertirse en artista. Mientras asistía a la escuela, trabajó en varios trabajos domésticos para ayudar a pagar su educación. Cuando Asawa regresó para comenzar su tercer año, se preparó para comenzar la enseñanza de los estudiantes, parte del trabajo de curso requerido para su título y certificación de enseñanza. Sin embargo, la escuela le dijo que no le asignarían un trabajo de enseñanza por su seguridad como mujer japonesa en Wisconsin. Sin completar la formación necesaria, Asawa no pudo obtener su título y certificación. Finalmente, Asawa encontró su camino a la escuela de arte experimental Black Mountain College en Carolina del Norte, uniéndose a varios amigos que planeaban mudarse allí desde Milwaukee. Fue en Carolina del Norte que conoció a artistas Josef Albers Y Merce Cunningham, que se convirtieron en sus mentores. Black Mountain College también fue el sitio donde Asawa conocería a su compañero de toda la vida, el arquitecto Albert Lanier.
Asawa fue introducida por primera vez en el tejido de cestas en un viaje a México en 1947, un encuentro que terminaría definiendo su alambre de tejido de práctica escultórica de toda la vida. Como Chase escribe en Everything She Touched, el descubrimiento “le permitió usar alambre para dibujar en el espacio tridimensional”. La elegante escultura de cobre y latón Untitled (S.387, Hanging Three Separate Layers of Three-Lobed Forms) (ca. 1955) destaca la meticulosa técnica de Asawa. Una de sus obras más pequeñas, la pieza cuenta con tres delicadas capas tejidas curvas. Esta pieza borró el anterior récord de subastas del artista en 2013 el año pasado, cuando obtuvo poco más de $4 millones en una subasta de Christie’s.Las esculturas de Asawa son instantáneamente reconocibles, su generosa estatura contrastada por curvas ágiles, como tejer en forma de telaraña y ondulantes. Chase explicó la importancia del cable durante toda la obra de Asawa. “Ella tomó alambre, que era, en cierto sentido, un instrumento de su cautiverio, y luego lo transformó en estos brillantes colgantes de malla de belleza trascendente”, compartió Chase. Ruth AsawaSin título (S.114, Hanging, Six-Lobed Continuous Form within a Form with One Suspended and …Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) Colección permanente
Los años siguientes a la época de Asawa en Black Mountain College estuvieron llenos de acción en más de una forma. En 1949, ella y Lanier se casaron y tuvieron su primer hijo al año siguiente, con planes de adoptar otro (finalmente se detuvieron a los seis años). Más tarde esa década, Asawa estableció una relación exclusiva con la galería Peridot en Nueva York, que expuso su trabajo a los compradores de arte de élite de la ciudad. Durante seis años, produjo trabajos para ser vendidos en la galería, mientras vivía en San Francisco y criaba a su familia. Durante ese tiempo, mostró trabajo en el Museo de Arte de San Francisco (lo que ahora es el Museo de Arte Moderno de San Francisco), en 1954 y en la Bienal de Sao Paulo en 1955, y a finales de la década de 1950, estaba exhibiendo obras en el Whitney Museum of American Art de Nueva York y el Museo de Arte Moderno. Mientras que el tiempo de Asawa trabajando con Peridot resultó fructífero de alguna manera, ella finalmente terminó su relación debido a algunos negocios tensos.A pesar de este éxito temprano y un breve deslumbramiento en la industria comercial diseñando trabajos para ser vendidos en grandes almacenes, Asawa y Lanier tuvieron problemas para ganarse la vida con sus carreras artísticas. Se hizo amiga de artistas establecidos, incluyendo Imogen Cunningham y Paul Hassel, que la instó a seguir haciendo trabajo.
Inspirada por el tiempo dedicado a criar a sus hijos, Asawa reaviva su pasión por la enseñanza y se involucró fuertemente en la promoción de la educación artística en San Francisco. En 1968, cofundó el Taller de Artes Escolares alvarado, un programa que ayudó a los niños a desarrollarse a través de la educación artística. Aunque el programa comenzó con poco o ningún financiamiento, en su apogeo, se implementó a lo largo de 50 escuelas de San Francisco. En 1982, Asawa ayudó a fundar una escuela secundaria pública para las artes en San Francisco; en 2010, la escuela fue renombrada Ruth Asawa San Francisco School of the Arts. El compromiso de Asawa con la construcción comunitaria y el activismo también la llevó a crear una serie de esculturas de arte público prominentes en todo California. Su primera obra pública tomó la forma de una gran fuente con una estatua de sirena en la famosa plaza Ghirardelli de San Francisco. En 2002, Asawa completó su último encargo público, llamado el Jardín de la Memoria,en la Universidad Estatal de San Francisco, utilizando 10 rocas que representaban cada uno de los 10 campos de internamiento establecidos durante la Segunda Guerra Mundial.El 6 de agosto de 2013, Asawa falleció mientras dormía. Conmemorando su legado y el poderoso impacto que tuvo en su comunidad, este año, el Servicio Postal de los Estados Unidos anunció un nuevo folleto de sellos que contará con las esculturas de Asawa.
La serie de sellos USPS de Ruth Asawa. Cortesía del Servicio Postal de los Estados Unidos.En 2017, la galería David Zwirner, que es el actual gerente de la finca de Asawa, celebró su primera exposición individual de la obra del artista en una de sus localizaciones de Nueva York. El espectáculo fue comisariado por Laib, quien formó una conexión con Asawa cuando trabajó como vicepresidente sénior y especialista senior de posguerra y arte contemporáneo en Christie’s. Se unió a David Zwirner como director en 2017, trayendo consigo la representación de la propiedad de Asawa.El viaje de Asawa es una lección en el arte de la transformación. Como dijo una vez, “La escultura es como la agricultura. Si sigues con eso, puedes hacer mucho”. El mundo nunca dejará de lanzar obstáculos en nuestro camino; lo único que podemos controlar es cómo lo manejamos todo. Cada paso en la vida de Asawa nos recuerda suavemente los valores más importantes de su madre Haru: gaman—resistencia; nintai—paciencia; y enryo—moderación.
Daria Harper
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