¿Hay Una Epidemia de Soledad?

Esteban Ortiz-Ospina

https://ourworldindata.org/loneliness-epidemic

Los medios parecen haber acordado que los países ricos están experimentando una 'epidemia de soledad'. Hay literalmente miles de artículos periodísticos que usan esta expresión exacta.

¿Cuál es la evidencia de esto? La palabra 'epidemia' sugiere que las cosas están empeorando mucho y que la soledad aumenta rápidamente. Pero, ¿muestran los datos que las sociedades se están volviendo más solitarias?

A pesar de la popularidad de la afirmación, sorprendentemente no existe un respaldo empírico para el hecho de que la soledad está aumentando, y mucho menos propagarse a tasas epidémicas.

Es cierto que más personas viven solas en todo el mundo. Pero la soledad y la soledad no son lo mismo. Como explicamos en una publicación complementaria , pasar tiempo solo no es un buen indicador de si las personas se sienten solas o tienen un apoyo social más débil.

Como explicamos más adelante, no parece que sea más probable que los adolescentes de hoy en los EE. UU. Informen sentirse solos que los adolescentes de hace un par de décadas; y de manera similar, los adultos mayores de hoy en los Estados Unidos no reportan una mayor soledad que los adultos mayores en el pasado. Las encuestas que cubren a adultos mayores en otros países ricos, como Finlandia, Alemania, Inglaterra y Suecia, apuntan en la misma dirección: no es el caso de que la soledad esté aumentando de generación en generación en estos países. 

Las conexiones sociales, incluido el contacto con amigos y familiares, son importantes para nuestra salud y bienestar emocional , así como para nuestro bienestar material . La soledad es un problema importante, pero es crucial tener una conversación matizada basada en hechos. Los titulares que afirman que estamos presenciando una 'epidemia de soledad' son erróneos e inútiles.

 

¿Son los jóvenes más solitarios que los adultos mayores?

 

Una estadística que a menudo se usa para argumentar que la soledad está aumentando es que los jóvenes de hoy son más solitarios que los adultos mayores. Esto plantea dos preguntas: (i) ¿Es cierto que las personas más jóvenes están más solas y (ii) muestra esto que la soledad está aumentando?
Comencemos con la primera pregunta. En Inglaterra, la Oficina de Estadísticas Nacionales realiza la Encuesta de Vida Comunitaria , en la que preguntan a las personas con qué frecuencia se sienten solas. En el gráfico de barras aquí mostramos un desglose de la soledad autoinformada por grupo de edad.
Según estos datos, las personas de entre 16 y 24 años son el grupo con mayor probabilidad de informar que se sienten solas, y el 10% se siente solo "a menudo o siempre". Por el contrario, los mayores de 65 años son el grupo con menos probabilidades de informar que se sienten solos, con un 3% que se siente solo "a menudo o siempre".
Muchas personas tienden a asociar la soledad con la edad avanzada, por lo que este patrón puede parecer sorprendente. Pero las encuestas de varios otros países ricos han encontrado lo mismo. En Nueva Zelanda, Japón y los Estados Unidos, los adultos jóvenes también informan sentirse más solos que los adultos mayores.
Entonces, sí, en los países ricos encontramos que las personas más jóvenes son más propensas a informar que se sienten solas.
¿Qué hay de la segunda pregunta? ¿Significa esto que la soledad está aumentando?
Aquí, la respuesta es 'no'. Las comparaciones transversales no son informativas sobre los cambios a lo largo del tiempo , porque la soledad no es constante a lo largo del ciclo de vida. Para poder decir algo significativo sobre los cambios en la soledad a lo largo del tiempo, necesitamos distinguir entre los cambios para las personas a lo largo del tiempo (¿las personas se vuelven más solas a medida que envejecen?) Y los cambios entre generaciones (las personas de la misma edad están más solitarias hoy que en ¿el pasado?).
Profundicemos y exploremos estas preguntas por separado. 

¿Nos volvemos más solos a medida que envejecemos?

 

Para comprender cómo cambia la soledad a lo largo de nuestro ciclo de vida, necesitamos datos de soledad de encuestas que rastreen a las mismas personas a lo largo del tiempo, hasta la vejez. En un estudio publicado en la revista Psychology and Aging, Louise Hawkley y sus coautores examinan dos de esas encuestas, con datos de adultos mayores de 50 años en los Estados Unidos.
Descubrieron que después de los 50 años, que es la edad más temprana de los participantes en su estudio, la soledad tiende a disminuir, hasta aproximadamente los 75 años, después de lo cual comienza a aumentar nuevamente.
Los autores explican en su artículo que el aumento de la soledad después de los 75 años se explica por una disminución de la salud y la pérdida de un cónyuge o pareja. Al ajustarse a estos factores, descubrieron que la soledad continuó disminuyendo a la "vejez más antigua".
Esto muestra que hay dos fuerzas en juego. Por un lado, parece haber una relación directa entre la edad y la soledad, por lo que la soledad disminuye con la edad a medida que nuestras expectativas sociales se adaptan, y nos volvemos más selectivos al relacionarnos con contactos que generan emociones positivas. Por otro lado, parece haber una asociación indirecta que empuja en la dirección opuesta, por lo que la soledad aumenta con la edad, porque nuestra salud se deteriora y perdemos familiares y amigos.
En nuestra mediana edad, el efecto directo domina, pero una vez que ingresamos a la vejez avanzada, el efecto indirecto negativo comienza a dominar.
Esta compleja relación entre la edad y la soledad muestra por qué la comparación de personas mayores y jóvenes en un momento dado es engañosa. Las comparaciones transversales simplemente no son informativas sobre la evolución de la soledad a lo largo del tiempo, porque la soledad no es constante a lo largo del ciclo de vida.

 

Tendencias de la soledad a lo largo del tiempo: ¿la gente está más sola hoy que en el pasado?

 

En la narrativa de la 'epidemia de soledad', a menudo se da a entender que si comparamos a dos personas de la misma edad, una hoy y otra hace una generación, encontraríamos que es más probable que la persona de hoy se sienta sola. Esto se basa en la idea de que ha habido cambios sociales, como el surgimiento de vivir solo , que hacen que las nuevas generaciones tengan más probabilidades de sentirse solas.
En su estudio , Louise Hawkley y sus coautores buscaron evidencia de estas 'tendencias de cohortes' en los Estados Unidos, pero no encontraron ninguna. Hubo muy poca diferencia en la soledad autoinformada de las personas nacidas en diferentes generaciones. Los que nacieron en 1920-1947 experimentaron los mismos cambios de soledad a lo largo de sus vidas que los nacidos en 1948-1965. No es el caso de que la soledad esté aumentando de generación en generación.
Un artículo de Tom Chievers explica muy bien este resultado del estudio: "[Hawkley y coautores] descubrieron que las personas mayores" nuevas "(baby boomers nacidas entre 1948 y 1965) no tienen más probabilidades de pensar en sí mismas como solitarias que" mayores "Personas mayores (nacidas entre 1920 y 1947), y que las personas mayores no se han vuelto más propensas a pensar en sí mismas como solitarias en la última década (2005 - 2016) ... La persona mayor promedio parece no tener más probabilidades de sentirse sola que ellas fueron hace una década ".
Hay estudios con datos de otros países ricos que apuntan en la misma dirección. En Suecia, las encuestas transversales repetidas con adultos de 85, 90 y 95 años de edad, no encontraron un aumento en la soledad durante un intervalo de diez años.
Estos estudios no encuentran evidencia de efectos de cohorte en adultos mayores. ¿Qué pasa con la evidencia para los adolescentes?
En el artículo titulado "Repensar 'Generation Me': un estudio de los efectos de cohorte de 1976-2006", los psicólogos Kali Trzesniewski y Brent Donnellan utilizaron encuestas de cohortes repetidas para explorar si los grupos sucesivos de graduados de secundaria se estaban volviendo más solitarios en el NOSOTROS. Tampoco encontraron evidencia de tendencias de cohorte. Las nuevas generaciones de estudiantes de último año de secundaria no tenían más probabilidades de informar sentimientos de soledad que las generaciones anteriores.
Los psicólogos Matthew Clark, Natalie Loxton y Stephanie Tobin replicaron este análisis, utilizando la misma encuesta, pero centrándose en todos los grupos de edad, no solo en los estudiantes de secundaria. La tabla aquí muestra sus resultados. No encontraron signos de aumento de la soledad en todos los grupos de edad. De hecho, encontraron una disminución muy pequeña pero estadísticamente significativa en la soledad de los estudiantes de secundaria en los Estados Unidos.
(NB. El eje vertical en este gráfico se trunca, siguiendo la presentación en el documento original. El eje truncado es útil para resaltar la tendencia; pero la conclusión es que los cambios en los niveles son extremadamente pequeños, por lo que la tendencia es efectivamente plana en términos absolutos, incluso si la pendiente es estadísticamente diferente de cero).

La soledad merece atención, pero los titulares que afirman que estamos presenciando una 'epidemia de soledad' no son ciertos, y en realidad no ayudan.

 

La revista The Economist escribió un artículo en 2018 con el título "La soledad es un grave problema de salud pública". En un párrafo clave, el artículo dice: “Los datos históricos sobre la soledad son escasos. Pero el aislamiento parece estar aumentando, por lo que la soledad también lo puede ser ”. 

Los datos que hemos encontrado muestran que este razonamiento es realmente incorrecto. 

Las encuestas de los países ricos no sugieren que haya habido un aumento de la soledad con el tiempo. No parece que sea más probable que los adolescentes de hoy en los Estados Unidos reporten sentirse solos que los adolescentes de hace un par de décadas; y de manera similar, los adultos mayores de hoy en los Estados Unidos no reportan una mayor soledad que los adultos de su edad en el pasado.

Por supuesto, eso no quiere decir que no debemos prestar atención a estos temas.

Es importante brindar apoyo a las personas que sufren de soledad , al igual que es importante prestar atención a los desafíos políticos que surgen de los grandes cambios sociales, como el surgimiento de vivir solo . Sin embargo, las narraciones inexactas y demasiado simplificadas no ayudan a comprender realmente estos complejos desafíos.

Hay una epidemia de titulares que afirman que estamos experimentando una "epidemia de soledad", pero no existe un respaldo empírico al hecho de que la soledad esté aumentando, y mucho menos propagándose a tasas epidémicas.

Navidad Romana. Las Saturnalias

https://www.youtube.com/watch?v=BlRr8c51rYc

Requiem por un campesino. Ramón J. Sender

https://www.youtube.com/watch?v=L-eCAKpo4jU&feature=emb_err_watch_on_yt

Ramón J. Sender (Chalamera de Cinca, 1902 - San Diego, 1982) Novelista español. De espíritu rebelde y autodidáctico, se sintió siempre atraído por la ideología del anarquismo, incluso cuando, avanzada la vida, se apartó de las actitudes izquierdistas de su juventud.

Tras realizar el servicio militar en Marruecos, se inició en el periodismo y colaboró en publicaciones radicales y libertarias. Sus primeras novelas son de testimonio social y propósito denunciatorio: el antimilitarismo de Imán (1930), sobre la guerra de Marruecos; su ataque al régimen policíaco en O.P.: orden público (1931); la lucha anarquista en Siete domingos rojos (1932) y el relato de la insurrección cantonal de Cartagena (1873) en Mr. Witt en el cantón (1935).

Durante la guerra civil luchó en Sierra de Guadarrama y publicó el documental Contraataque (1937), sobre el cual se inspiró en parte Malraux para su novela L'Espoir.

Exiliado primero en México (1939-42), residió el resto de su vida en los Estados Unidos, con trabajos docentes en Alburquerque (1947-63) y en Los Ángeles (1965-71). Dejando a un lado su intensa actividad periodística (en la revista antifascista y anticomunista Cuadernos de París, por ejemplo), su copiosísima producción narrativa prosiguió por numerosas y variadas rutas.

Por un lado están sus novelas alegóricas de intención satírica o filosófica; entre ellas cabe citar El lugar del hombre (1939), La esfera (1947), El rey y la reina, de 1949, El verdugo afable (1952), Los cinco libros de Ariadna (1957) y Nocturno de los catorce (1971). Un sector aparte se halla constituido por sus novelas históricas: Bizancio (1956), Jubileo en el Zócalo (1964) y La aventura equinoccial de Lope de Aguirre (1964), entre otras. El marco geográfico latinoamericano le inspiró una gran novela, Epitalamio del prieto Trinidad (1942), historia de una rebelión en una isla-presidio, notable por la recreación de las pasiones humanas y la descripción de una atmósfera alucinante y de exótica sensualidad. Pero el sector narrativo más importante de Sender procede de su memoria histórica. Junto a una obrita perfecta, Mosén Millán (1953), luego titulada Réquiem por un campesino español, publicada en 1960, conmovedora historia de un sacerdote que quiere salvar a un joven del pueblo en los inicios de la guerra civil, destaca la serie Crónica del alba, compuesta de nueve novelas aparecida entre 1942 y 1966, autobiografía de José Garcés, personaje bajo el cual se oculta de modo transparente el propio autor. Destaca, dentro de esta serie, el primer tomo, con la evocación del mundo infantil. En general, la obra escrita en su vejez -incluso títulos tan difundidos como La tesis de Nancy (1962), En la vida de Ignacio Morell (1969), y Nocturno de los 14 (1969), El fugitivo (1972), La mirada inmóvil (1979)- muestra un descenso de su capacidad creativa y una tendencia incontrolada a manifestar a modo de prédica sus fobias ideológicas.

El cáncer de mama puede ser diferente en hombres que en mujeres

Incluso después de controlar múltiples factores, la mortalidad a los 3 años fue 15% mayor en los hombres.

Fei Wang, MD, PhD1,2; Xiang Shu, PhD1; Ingrid Meszoely, MD3; et al Fuente: JAMA Oncol. 2019;5(11):1589-1596. doi:10.1001/jamaoncol.2019.2803 Overall Mortality After Diagnosis of Breast Cancer in Men vs Women

El enfoque para tratar el cáncer de mama en los hombres es en gran medida el mismo que en las mujeres. Sin embargo, los grandes estudios de tratamientos para hombres han sido difíciles de conseguir, ya que el número de pacientes con cáncer de mama masculino es pequeño, incluso en grandes centros de referencia.

Para comparar los resultados entre hombres y mujeres con cáncer de mama, los investigadores realizaron un estudio de cohorte retrospectivo que involucró a 16.000 hombres (edad promedio, 63.3 años) y 1.8 millones de mujeres (edad promedio, 59.9 años) en la Base de Datos Nacional del Cáncer que fueron diagnosticados con cáncer de seno de 2004 a 2014.

Se tomaron en cuenta la raza, el origen étnico, las características clínicas, el tratamiento y la accesibilidad a la atención.

Con una mediana de seguimiento de 54.0 meses para los hombres y 60.5 meses para las mujeres, la supervivencia general (el resultado primario) fue significativamente peor para los hombres que para las mujeres (45.8% vs. 60.4%). También fueron peores la supervivencia a 3 años (86,4% frente a 91,7%) y la supervivencia a 5 años (77,6% frente a 86,4%).

Incluso después de controlar múltiples factores, la mortalidad a los 3 años fue 15% mayor en hombres que en mujeres.

Un hallazgo sorprendente fue que la supervivencia fue inferior en los hombres particularmente después del diagnóstico temprano .

Como en otros informes, los hombres eran típicamente mayores que las mujeres en la presentación y eran más propensos a tener una enfermedad en etapa más avanzada y a no recibir tratamiento, independientemente de la etapa. También eran más propensos a tener puntajes de recurrencia que eran muy altos (≥31) o muy bajos (≤11).

Conclusiones y relevancia Este estudio encontró que la mortalidad después del diagnóstico de cáncer fue mayor entre los pacientes masculinos con cáncer de mama en comparación con sus contrapartes femeninas. Tal disparidad pareció persistir después de tener en cuenta las características clínicas, los factores de tratamiento y el acceso a la atención, lo que sugiere que se deben identificar otros factores (particularmente atributos biológicos adicionales, cumplimiento del tratamiento y factores de estilo de vida) para ayudar a eliminar esta disparidad.

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Comentario

Estos hallazgos sugieren que el cáncer de mama en los hombres puede ser biológicamente diferente al cáncer de seno en las mujeres. Por extensión, los resultados también pueden ser diferentes.

Dicho esto, este análisis también destaca, como lo han sugerido otros informes, que los pacientes varones se presentan con una enfermedad más avanzada, tal vez por falta de conciencia, y a menudo reciben un tratamiento menos que óptimo y cumplen menos con el tratamiento que sus contrapartes femeninas

Olga Larionova

Olga Melamory Larionova es una joven artista de Nizhny Novgorod en Rusia que crea dibujos hiperrealistas en grafito o lápices de colores. Su increíble habilidad con los lápices y su ardiente dedicación a los materiales tradicionales son notables en nuestra era digital. Aunque ahora trabaja como diseñadora de interiores, Melamory todavía considera que el arte hiperrealista es su mayor pasión. Melamory nunca fue a la escuela de arte y cree que ser autodidacta la ayudó a desarrollar un estilo único. Su proceso artístico implica trabajar en diferentes áreas y luego vincularlas como piezas de rompecabezas para crear retratos absolutamente asombrosos.

Oliverio Girondo. Erótica

Oliverio Girondo nació el 17 de agosto de 1891. Realizó sus estudios en el Epson College de Londres y en el Liceo Luis Le Grand de París. Se recibió de abogado, aunque nunca ejerció la profesión. En 1911 inicia su actividad literaria fundando el periódico Comoedia; tras una breve experiencia teatral escribe La Madrastra y La comedia de todos los días. En 1922 aparece en Francia Veinte poemas para ser leídos en el tranvía; luego publica en Madrid, Calcomanías (1925). Construye en esa época una fuerte vinculación con los jóvenes que sustentan el proyecto vanguardista de la literatura argentina, siendo el autor de la redacción del Manifiesto de la revista Martín Fierro. Lleva una intensa vida literaria entre Buenos Aires y diversas capitales de Europa y se vincula con Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Gómez de la Serna y JullesSupervielle. Las manifestaciones del surrealismo lo tienen como activo protagonista en París. También decide emprender un viaje desde Chile hasta México a fin de establecer contactos con nuevos escritores, representando a las revistas Proa, Valoraciones y Martín Fierro. Se radica definitivamente en Buenos Aires en 1931 publicando al año siguiente Espantapájaros, una desopilante campaña publicitaria que incluye una carroza fúnebre y un gigantesco muñeco de papel maché por la Avenida 9 de julio, logrando agotar en pocos días los 5000 ejemplares de la edición. Casado con Nora Lange en 1943, la pareja hace de su casa un lugar de reuniones literafrecuentada por escritores jóvenes (Enrique Molina, Alberto Vanasco, Edgar Bayley, etc.) quienes lo consideran un maestro.

Su decisiva ruptura con el modernismo y sus seguidores, más la vigorosa renovación de la sacralizada zona poética de las primeras décadas del siglo, a las que contribuyó de manera notable y extensa, ubican a Oliverio Girondo como un mojón soberano de la vanguardia poética en Hispanoamérica. Muere en Buenos Aires el 24 de enero de 196Entre sus obras figuran: Persuasión de los días (1942), Campo nuestro (1946), La Másmedula (1954), Yo tan yo, Destino, Topatumba, Cansancio, Mi mito, Ella y otros poemas.

A las chicas de flores

Las chicas de Flores tienen los ojos dulces, como las almendras azucaradas de la Confitería del Molino, y usan moños de seda que les liban las nalgas en un aleteo de mariposas.
Las chicas de Flores se pasean tomadas de los brazos, para trasmitirse sus estremecimientos, y si alguien las mira en las pupilas, aprietan las piernas, de miedo de que el sexo se les caiga en la vereda.
Al atardecer, todas ellas cuelgan sus pechos sin madurar del ramaje de hierro de los balcones, para que sus vestidos se empurpuren al sentirlas desnudas, y de noche, a remolque de sus mamas -empavesadas como fragatas- van a pasearse por la plaza, para que los hombres les eyaculen palabras al oído, y sus pezones fosforescentes se enciendan y se apaguen como luciérnagas.
Las chicas de Flores viven en la angustia de que las nalgas se les pudran, como manzanas que se han dejado pasar y el deseo de los hombres las sofoca tanto, que a veces quisieran desembarazarse de él como de un corsé, ya que no tienen el coraje de cortarse el cuerpo a pedacitos y arrojárselo a todos los que pasan por la vereda.

Se miran, se presienten, se desean,
se acarician, se besan, se desnudan,
se respiran, se acuestan, se olfatean,
se penetran, se chupan, se demudan,
se adormecen, despiertan, se iluminan,
se codician, se palpan, se fascinan,
se mastican, se gustan, se babean,
se confunden, se acoplan, se disgregan,
se aletargan, fallecen, se reintegran,
se distienden, se enarcan, se menean,
se retuercen, se tiran, se caldean,
se estrangulan, se aprietan, se estremecen,
se tantean, se juntan, desfallecen,
se repelen, se enervan, se apetecen,
se acometen, se enlazan, se entrechocan,
se agazapan, se apresan, se dislocan,
se perforan, se incrustan, se acribillan,
se remachan, se injertan, se atornillan,
se desmayan, reviven, resplandecen,
se contemplan, se inflaman, se enloquecen,
se derriten, se sueldan, se calcinan,
se desgarran, se muerden, se asesinan,
resucitan, se buscan, se refriegan,
se rehuyen, se evaden y se entregan.

Las mujeres vampiro son menos peligrosas que las mujeres con sexo prehensil.
Desde hace siglos, se conocen diversos medios para protegernos contra las primeras.
Se sabe, por ejemplo, que una fricción de trementina después del baño, logra en la mayoría de los casos inmunizarnos; pues lo único que les gusta a las mujeres vampiro es el sabor marítimo de nuestra sangre, esa reminiscencia que perdura en nosotros, de la época en que fuimos tiburón o cangrejo.
La imposibilidad en que se encuentren de hundirnos su lanceta en silencio, disminuye, por otra parte, los riesgos de un ataque imprevisto. Basta con que al oírlas nos hagamos los muertos para que después de olfatearnos y comprobar nuestra inmovilidad, revoloteen un instante y nos dejan tranquilos.
Contra las mujeres de sexo prehensil, en cambio, casi todas las formas defensivas resultan ineficaces. Sin duda, los calzoncillos erizables y algunos otros preventivos, pueden ofrecer sus ventajas; pero la violencia de honda con que nos arrojan su sexo, rara vez nos da tiempo a utilizarlos, ya que antes de advertir su presencia, nos desbarrancan en una montaña rusa de espasmos interminables, y no tenemos más remedio que resignarnos a una inmovilidad de meses, si pretendemos recuperar los kilos que hemos perdido en un instante.
Entre las creaciones que inventa el sexualismo, las mencionadas, sin embargo, son las menos temibles. Mucho más peligrosas, sin discusión alguna, resultan las mujeres eléctricas, y esto, por un simple motivo: las mujeres eléctricas operan a distancia.
Insensiblemente, a través del tiempo y del espacio, nos van cargando como un acumulador, hasta que de pronto entramos en un contacto tan íntimo con ellas, que nos hospedan sus mismas ondulaciones y sus mismos parásitos.
Es inútil que nos aislemos como un anacoreta o como un piano. Los pantalones de amianto y los pararrayos testiculares son iguales a cero. Nuestra carne adquiere, poco a poco, propiedades de imán. Las tachuelas, los alfileres, los culos de botella que perforan nuestra epidermis, nos emparentan con esos fetiches africanos acribillados de hierros enmohecidos. Progresivamente las descargas que ponen a prueba nuestros nervios de alta tensión, nos galvanizan desde el occipucio hasta las uñas de los pies. En todo instante se nos escapan de los poros centenares de chispas que nos obligan a vivir en pelotas. hasta que el día menos pensado, la mujer que nos electriza intensifica tanto sus descargas sexuales, que termina por electrocutarnos en un espasmo lleno de interrupciones y de cortocircuitos.

"The Gross Clinic" de Thomas Eakins puede ser la pintura estadounidense más importante

Thomas Eakins "La clínica bruta", 1875. Museo de arte de Filadelfia

Alina Cohen

https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-thomas-eakinss-the-gross-clinic-american-painting?utm_medium=email&utm_source=18725610-newsletter-editorial-weekly-11-26-19&utm_campaign=editorial&utm_content=st-S

 

En 1875, Thomas Eakins decidió pintar un cuadro que glorificara a su ciudad natal de Filadelfia. La primera Feria Mundial que se celebrará en los Estados Unidos, la Exposición Internacional del Centenario, se inaugurará en la ciudad al año siguiente. A través de su pintura, Eakins esperaba honrar los avances científicos que salían del Jefferson Medical College local. El artista observó los procedimientos en vivo del famoso cirujano Dr. Samuel Gross, luego los tradujo a un lienzo a gran escala que tituló Dr. Gross (1875) (ahora conocido como The Gross Clinic ). La obra se ha convertido quizás en la pintura más importante en la historia del arte estadounidense.

 

La ambiciosa pintura de Eakins trajo Renacimiento -era virtuosismo a mediados del siglo XIX en los Estados Unidos, ya que el arte estadounidense todavía luchaba por encontrar su lugar en el escenario mundial. La clínica bruta, que aún hoy cuelga en Filadelfia, es un triunfo de la composición, la luz y la sombra. La imagen sigue siendo asombrosamente espeluznante: el lienzo destaca al Dr. Gross mientras opera en un muslo expuesto con la ayuda de cinco asistentes sentados. La sangre cubre sus manos, escalpelos y la incisión profunda a medio camino de la rodilla del paciente oculto. Una espectadora se protege el rostro, mientras los estudiantes del anfiteatro circundante observan con calma y toman notas. La pintura revela y oculta su tema, funciona como un registro brutal y un homenaje a la ciencia. Estas contradicciones hacen que la pintura sea una hazaña virtuosa, que continúa obligando y asustando a los espectadores casi 150 años después de su realización.

 

Cuando Eakins comenzó a trabajar en The Gross Clinic , ya era un pintor consumado. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en 1866 y continuó su educación artística en París, estudiando con los pintores Jean-Léon Gérôme y Léon Bonnat. Vivir en Europa le dio a Eakins acceso a museos llenos de trabajos de Viejos maestro

 

Al visitar España, el artista quedó cautivado por los lienzos de Diego Velázquez  y Jusepe de Ribera

 

 

Diego Velázquez Español, 1599-1660

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Thomas Eakins, The Champion Single Scull (Max Schmitt en un solo cráneo) , 1871

El Museo Metropolitano de Arte

De vuelta a casa en Filadelfia, Eakins hizo retratos de su familia y una serie de scullers, navegantes competitivos que remaban con dos remos. En The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull) (1871), Eakins se pintó en la composición como un sculler en un bote detrás de Max Schmitt.

 

Con The Gross Clinic , Eakins creía acertadamente que estaba llevando su pintura al siguiente nivel. Asistió a numerosas conferencias en la clínica del Dr. Gross y reunió magistralmente su composición a partir de bocetos del quirófano. Es posible que también haya hecho referencia a fotografías del Dr. Gross (no todos los trabajos preparatorios para el lienzo fueron documentados o conservados). El resultado "tuvo el efecto de la realidad, pero en realidad fue completamente artificial", dice Kathleen Foster, curadora principal y directora del Centro de Arte Americano del Museo de Arte de Filadelfia.

 

Foster observa cuán innovador fue el tema de Eakins. El artista representó al Dr. Gross realizando una forma de cirugía que inventó, que extrajo el hueso enfermo de una herida mediante incisiones hábiles. La anestesia en sí misma solo existía desde 1846, lo que permitió a los médicos realizar cirugías más largas y laboriosas. El establecimiento médico había amputado previamente extremidades en este tipo de situaciones. A través de su escena grupal, el artista capturó el valor científico en el trabajo en equipo y la unidad. Según Foster, Eakins capturó un momento "tan emblemático del poder del progreso en la medicina estadounidense".

 

Rembrandt van Rijn, La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp , 1632 Mauritshuis, La Haya

El biógrafo de Eakins, Sidney Kirkpatrick, llega a afirmar que "ningún artista desde el Renacimiento había superado tales desafíos en la disposición de las figuras y la acción o había compuesto una obra de tal alcance intelectual y metafísico".

 

Desafortunadamente para Eakins, el comité del Centenario rechazó la pintura de las principales salas de exhibición, quizás porque era demasiado sangrienta. Sin embargo, antes de que se abriera la feria, el artista arregló mostrar el trabajo en Haseltine Galleries, donde encontró un campeón en el crítico de arte Daily Evening Telegraph William Clark. "Este retrato del Dr. Gross es un gran trabajo, no sabemos nada más grande que nunca se haya ejecutado en Estados Unidos", escribió . Gracias en parte a la revisión, el comité de selección acordó colgar The Gross Clinic en un local auxiliar: el Hospital del Ejército de los EE. UU. Creían que aquí, en un contexto médico, la imagen sangrienta no ofendería a nadie. La pintura encontró un hogar permanente con el Jefferson Medical College en 1878., después de que la escuela pagó $ 200 por el trabajo.

Cuando la pintura viajó a la ciudad de Nueva York en 1879, los críticos no fueron más solidarios. El New York Times acusó a Eakins de no reconocer "dónde detenerse" y cuáles son los límites "entre la belleza del desnudo y la indecencia del desnudo". La cautela de la época victoriana funcionó contra Eakins. Sin embargo, al final de su vida, había logrado la aclamación como un importante artista estadounidense. Fue invitado a participar en la Exposición Colombina del Mundo de 1893 en Chicago, y la Academia Nacional lo nombró asociado en 1902, un prestigioso premio en ese momento. Eakins murió en 1916.

 

Thomas Eakins, The Agnew Clinic , 1889. Imagen vía Wikimedia Commons.

La Clínica Gross ha disfrutado de una vida futura emocionante. La pintura permaneció en Thomas Jefferson Medical College hasta 2006, cuando la institución intentó venderla por $ 68 millones a la Galería Nacional de Arte y a la coleccionista Alice Walton. En 2008, la ciudad de Filadelfia y los museos locales recaudaron fondos equivalentes para mantener la pintura local. Ahora reside en las colecciones del Museo de Arte de Filadelfia y la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, intercambiando locales cada tres años.

Los académicos han encontrado infinitas posibilidades de interpretación en el lienzo único. El artículo de 1985 de Michael Fried "Realismo, escritura y desfiguración en la Clínica Gross de Thomas Eakins, con una posdata sobre las caras al revés de Stephen Crane" propone el lienzo como un comentario sobre el acto de pintar, sugiriendo que en el trabajo, la sangre y la pintura son " señales entre sí, equivalentes naturales cuya relación especial está aquí puesta en primer plano con una viveza sin precedentes ”. The Gross Clinic, en la lectura freudiana de Fried, aborda la ansiedad de castración y la relación de Eakins con su propio padre a través de la representación del Dr. Gross. En 1999, la académica Jennifer Doyle publicó "Sex, Scandal, and The Gross Clinic de Thomas Eakins", que considera la propia sexualidad de Eakins y el "cuerpo sin género en el corazón de una afirmación de realismo pictórico".

Foster llega a decir que "para temas de realismo, ciencia y sexualidad, ninguna pintura ha sido más versátil y estimulante como un espejo de preocupaciones". Es una descripción adecuada para un lienzo que en última instancia trata de un grupo de personas. sondeando la misma herida. 

 

Alina Cohen es escritora de personal en Artsy.

Los 10 momentos que definieron el arte en la década de 2010

https://www.artsy.net/series/decade-art/artsy-editorial-10-moments-defined-art-2010s

Como la década llega a su fin, es un buen momento para reflexionar sobre los momentos más memorables que inspiraron, moldearon y sacudieron el mundo del arte. Estos momentos llevaron el arte a la vanguardia de las conversaciones globales y arrojaron luz sobre las tendencias culturales más importantes que afectan a los artistas, las obras de arte o el mercado del arte. Comenzaron con artistas, instituciones o fuerzas más allá del mundo del arte, y encendieron prácticas o movimientos duraderos, intensificaron las conversaciones sobre la raza y la representación a la luz del movimiento Black Lives Matter, o forzaron a los museos a considerar sus lazos con el poder y el dinero. Estos momentos iluminan los valores y las preocupaciones colectivas, desenterrando nociones complejas con las que continuamos lidiando. De principio a fin, vemos poderosos cambios culturales centrados en el mundo del arte que cambiaron vidas e influyeron en las economías globales.

 

La creación de Instagram y su impacto en el mundo del arte.

Octubre de 2010

Yayoi Kusama, Infinity Mirrored Room - Las almas de millones de años luz de distancia , 2013. © Yayoi Kusama. Cortesía de David Zwirner, Nueva York; Ota Fine Arts, Tokio / Singapur / Shanghai; Victoria Miro, Londres / Venecia; KUSAMA Enterprise.

Cuando Instagram se lanzó en 2010, brindó a los artistas una nueva y poderosa herramienta de marketing. Pero también tuvo un efecto inesperado en el mundo del arte: los curadores comenzaron a lidiar con la forma en que Instagram era un espectáculo.

 

La noción se arraigó siguiendo la instalación  de Yayoi Kusama de "Infinity Mirror Room" en 2013. Las fuentes de Instagram se saturaron con la misma escena: una galaxia interminable de luces brillantes que convergen en una figura solitaria en una habitación oscura, un teléfono con cámara oculta parcialmente su rostro. Aunque la instalación ha visto varias iteraciones desde 1965, el concepto de Kusama explotó en popularidad gracias a las redes sociales, con hasta 2.500 personas por día que ingresaron en la sala de David Zwirner durante 45 segundos cada una.

 

Los hotspots artísticos de Instagram comenzaron a aparecer en números vertiginosos: Color Factory, 29Rooms, el Museo de Arte Digital de teamLab, todos prometiendo el telón de fondo perfecto para el gramo. En las instituciones de arte, Instagram también cambió el acto de interactuar con el arte.

Olafur Eliasson

 

La principal retrospectiva de Tate este año vio a los visitantes deambular por la bruma de una habitación para el trabajo Your Blind Passenger (2010), con los teléfonos en alto. Plantea la pregunta: ¿Realmente te estás conectando con una obra de arte si la estás viendo a través de una lente?

 

La detención de Ai Weiwei

Abril de 2011

Foto de Peter Parks / AFP vía Getty Images.

En abril de 2011 Ai Weiwei intentó abordar un vuelo a Hong Kong cuando fue detenido por la policía. Durante 81 días, el artista estuvo cautivo e interrogado por funcionarios chinos.

 

Ai había expresado su indignación por el comportamiento del Partido Comunista Chino a través de obras de arte conmovedoras, Twitter y su blog. Su crítica más famosa se refería al mal manejo del terremoto de Sichuan en 2008, que provocó la muerte de más de 5,000 niños en edad escolar. Pero hasta 2011 no enfrentó medidas tan radicales para sus acciones. El artista más abierto de nuestro tiempo había sido silenciado.

 

Cuando Ai volvió a emerger, la terrible experiencia solo alimentó su roductividad. Aunque su pasaporte fue revocado, montó docenas de espectáculos en todo el mundo. La curadora principal de Guggenheim , Alexandra Munroe, señaló que este momento "reformuló las apuestas y la escala del impacto que un artista disidente podría ejercer". Agregó: "Hemos visto una gran proliferación desde el activismo de los artistas, algo sabio, algo superficial. Pero lo más inquietante es que hemos visto que los mismos mundos del arte, el periodismo y la diplomacia estatal en Occidente muestran un total desprecio por los millones de manifestantes en Hong Kong. Ai tenía razón al advertirnos entonces, y ahora tiene razón para avergonzarnos ”.

El descubrimiento del tesoro de Cornelius Gurlitt del presunto botín nazi

Febrero de 2012

Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire , 1897. Cortesía del Kunstmuseum Bern.

En 2012, las autoridades alemanas descubrieron un tesoro de más de 1.300 obras de arte moderno en el apartamento de Cornelius Gurlitt en Múnich, el hijo mayor y solitario del comerciante de arte de la era nazi Hildebrand Gurlitt. La noticia de la colección envió ondas de choque a través del mundo del arte y más allá.

 

Este misterioso y enormemente valioso tesoro de obras de Max Beckmann, Otto Dix, Paul Cezanne, Ernst Ludwig Kirchner, Édouard Manet, Claude Monet, Edvard Munch, Paul Signac, y otros se han estimado en más de $ 1 mil millones. Posteriormente, se descubrieron otras 250 obras en una casa que Gurlitt poseía en Salzburgo, lo que lleva el total de su colección a unos 1.600 objetos.

 

El caso rápidamente resultó ser tan complejo como impactante, especialmente después de que Gurlitt murió en mayo de 2014, dejando su colección y todos sus problemas de procedencia en manos del Kunstmuseum Bern en Suiza. Desde entonces, algunas de las obras de arte han sido devueltas a los herederos de sus legítimos propietarios. Muchos más se han exhibido públicamente en exposiciones en Berna y Bonn, Alemania, o se han publicado en línea en un esfuerzo por volver sobre sus orígenes, un proceso que seguramente tomará años, si no décadas.

La primera edición de Art Basel en Hong Kong

Mayo 2013

 

Foto de Jessica Hromas vía Getty Images

 

 

Hong Kong ha sido un centro comercial mundial durante más de un siglo, pero su estatus como el mercado de arte más destacado de Asia no se selló por completo hasta 2013, cuando se inauguró Art Basel en la antigua colonia británica.

En medio del auge económico de China en la década de 2000, Christie's y Sotheby's consolidaron sus ventas de arte asiático en Hong Kong. Siguiendo esta tendencia prometedora, Asian Art Fairs lanzó ArtHK en 2008. La feria se convirtió en la primera plataforma de lanzamiento de galerías internacionales en Asia, con galerías participantes como Gagosian y White Cube . En 2011, MCH Group , propietario de Art Basel, adquirió el 60 por ciento de las ferias de arte asiáticas, transformando a ArtHK en una incorporación asiática a la feria de arte contemporáneo líder en el mundo.

Art Basel mejoró el estatus de Hong Kong como mercado de arte global, actuando como un voto de confianza para galerías occidentales como David Zwirner y Hauser & Wirth , que abrieron puestos de avanzada en la ciudad en 2018. También ha ayudado a introducir a Hong Kong y Asia artistas del mundo del arte global, una oportunidad que podría haber tomado un camino sinuoso para construir sin la presencia de Art Basel en Hong Kong.

 

La obra de arte más cara de una artista femenina vendida en una subasta

Noviembre 2014

Alfred Stieglitz, Georgia O'Keeffe , 1930. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte.

Georgia O'Keeffe, Jimson Weed / White Flower No. 1, 1932. Foto de Edward C. Robison III. Cortesía del Museo de Arte Americano Crystal Bridges, Bentonville, Arkansas.

En noviembre de 2014 Georgia O'Keeffe con la pintura Jimson Weed / White Flower No. 1 (1932) se convirtió en la obra de arte más cara de una mujer que se haya vendido. Alice Walton, heredera de la fortuna de Walmart y fundadora del Museo de Arte Americano Crystal Bridges en Bentonville, Arkansas, compró el lienzo en Sotheby's por $ 44.4 millones. Mindy Besaw, curadora de Crystal Bridges, dijo que la pintura "representa un tema icónico de uno de los artistas estadounidenses modernos más importantes e influyentes". La venta singular fue la apoteosis de una tendencia que ahora barre el mundo del arte: el creciente interés del mercado en el trabajo de artistas femeninas.

Sotheby's publicó un informe señalando que entre 2012 y 2018, las obras de arte de mujeres han aumentado en valores de subasta en un 72,9 por ciento. Como para confirmar esta tendencia, el registro de la subasta para AbEx la superestrella Lee Krasner se duplicó cuando su lienzo de 1960, The Eye Is the First Circle, se vendió en Sotheby's por $ 11.7 millones en mayo de 2019. Estas potentes fuerzas del mercado son paralelas a un intento institucional más amplio para finalmente dar a las artistas menospreciadas la atención crítica que merecen.

 

La controversia de apropiación cultural de Dana Schutz

Marzo de 2017

Foto de Michael Bilsborough. Cortesía de Parker Bright.

En la bienal de Whitney de 2017, el pintor Dana Schutz muestra una pintura titulada Open Casket (2016). La obra representaba la infame imagen de 1955 del adolescente afroamericano brutalmente asesinado Emmett Till tendido en su ataúd, interpretado en el estilo pictórico característico de Schutz.

Se produjo un alboroto con gritos que Schutz, que es blanco, no debería pintar y sacar provecho de ese tema. El artista Parker Bright se refirió a la obra de arte como "una injusticia para la comunidad negra" y protestó en frente de la pintura, parada frente a ella con una camisa que decía "ESPECTÁCULO DE MUERTE NEGRA". Hubo llamadas para que se quitara el trabajo e incluso destruido. La pintura permaneció a la vista, aunque el museo finalmente agregó una pancarta junto con una nota del curador, así como una respuesta de Schutz: “No sé lo que es ser negro en Estados Unidos. Pero sí sé lo que es ser madre”, escribió. Schutz cerró su respuesta con la siguiente declaración: "Esta pintura nunca estuvo a la venta y nunca lo estará".

El trabajo provocó un diálogo sobre la apropiación de la experiencia y la imagen; sucedió en el apogeo del movimiento Black Lives Matter y fue visto como una estetización del trauma letal de un grupo.

 

La demanda de agresión sexual de Artforum

Octubre de 2017

Betty Tompkins, Apologia (Artemisia Gentileschi # 3) , 2018. Cortesía de Betty Tompkins y P · P · O · W, Nueva York.

En octubre de 2017, la curadora Amanda Schmitt presentó una demanda acusando entonces al coeditor de Artforum Knight Landesman de acoso sexual. La acusación contra una de las figuras más poderosas de la industria fue un caso temprano del movimiento #MeToo de Tarana Burke llegando al mundo del arte. Creó un cambio sísmico en la conciencia de los sistemas arraigados que permiten, y protegen, el comportamiento abusivo.

Dos años después, innumerables otros han compartido sus experiencias enterradas de acoso sexual en entornos privados y laborales, incluidos museos, galerías y escuelas. Como sobrevivientes nombrados hombres de alto perfil como Chuck Close  y Subodh Gupta, otros consideraron qué hacer con el arte de un presunto abusador: ¿contextualizar o cancelar?

La demanda de Schmitt fue desestimada por un tribunal del estado de Nueva York en enero, pero en otros lugares, los cambios están en el horizonte. Las instituciones, presionadas para reconocer las estructuras de poder que pueden generar mala conducta, están luchando con formas de proteger a los trabajadores culturales. Para la mayoría, esto requiere no solo crear lugares de trabajo seguros, sino también corregir el desequilibrio racial y de género del personal. Dichos protocolos son pasos para sostener el movimiento. Por ahora, el mensaje sigue siendo claro: el comportamiento depredador descartado por mucho tiempo como norma cultural ya no será tolerado.

 

La presentación de los retratos de Obama

Febrero 2018

Kehinde Wiley. El retrato del presidente Barack Obama y Amy Sherald

El retrato acompañante de la Primera Dama Michelle fue mucho más allá de la norma para el retrato presidencial ; crearon una nueva forma de arte populista y llevaron el retrato negro a la vanguardia de una conversación nacional sobre raza y representación.

Las pinturas se presentaron en la National Portrait Gallery en Washington, DC, en febrero de 2018 con gran fanfarria: no solo fue la primera vez que se reveló un retrato de un presidente afroamericano, sino la primera vez que un artista negro fue seleccionado para pintar Un retrato presidencial.

Los retratos se convirtieron en un fenómeno cultural, pero su influencia también se extendió al mundo del arte; señalaron un renovado interés cultural en los artistas negros, que se ha manifestado en más exposiciones individuales de museos y galerías para artistas negros. Aunque a los artistas les gusta Jean-Michel Basquiat y Tschabalala Self  han vendido obras sin precedentes en una subasta, las obras de artistas negros todavía tienden a estar muy infravaloradas en el mercado, lo que muestra hasta dónde tiene que llegar el mundo del arte para corregir los sesgos históricos.

El primer museo en rechazar una donación de los Sacklers.

Marzo 2019

La Galería Nacional de Retratos, Londres. Imagen vía Wikimedia Commons.

Cuando la National Portrait Gallery (NPG) de Londres se convirtió en la primera institución de arte importante en rechazar la financiación de la familia Sackler en marzo de 2019, la decisión provocó un efecto dominó en todo el mundo. La Tate , Guggenheim y el Museo Metropolitano de Arte siguieron su ejemplo, y la notoriedad de la familia Sackler por aprovecharse de la epidemia de opioides eclipsó su reputación de benefactores culturales.

La decisión del NPG provocó un debate internacional en curso. Los visitantes del museo, el personal, los artistas y los curadores recurrieron a instituciones veneradas con un escrutinio intensivo, cuestionando las implicaciones éticas de la riqueza que alimenta el mundo del arte. En julio de 2019, las críticas llegaron a un punto de ruptura cuando el vicepresidente del Museo Whitney , Warren Kanders, renunció bajo una intensa presión después de las revelaciones de que su compañía, Safariland, fabricaba gases lacrimógenos utilizados contra los migrantes en la frontera entre Estados Unidos y México. Pero la réplica está lejos de terminar.

A medida que el mundo del arte lidia con instituciones basadas en la "filantropía tóxica", un modelo de financiamiento alternativo permanece oculto. El tiempo dirá qué tan lejos y qué tan profundo irá el cálculo, pero podría alterar el mundo del arte tal como lo conocemos.

 

El artista vivo más caro es Jeff Koons (nuevamente)

Mayo 2019

Foto de Yui Mok / PA Images a través de Getty Images.

En mayo de este año, Jeff Koons recuperó el título del artista vivo más caro cuando su icónica escultura Rabbit (1986) se vendió por $ 91 millones en una subasta de Christie's en Nueva York.

Ese resultado lo puso justo por delante de David Hockney , cuyo Retrato de un artista (Pool with Two Figures) (1972) se vendió por $ 90.3 millones unos meses antes. También eclipsó el récord de subasta de Koons de $ 58.4 millones, establecido en noviembre de 2013 por su imponente escultura de acero inoxidable Balloon Dog (Orange) (1994–2000), que lo convirtió en el artista vivo más caro hasta que apareció el retrato junto a la piscina de Hockney.

El resultado confirmó el hambre duradera de los coleccionistas por el trabajo de Koons, pero también mostró que, en medio de los temores de una recesión económica inminente, los compradores aparecerán y ofertarán en grande por obras de arte ampliamente consideradas como obras maestras. "Puedes pensar en Koons como quieras", dijo el corredor de poder de Christie, Alex Rotter, después de la histórica venta. "Este fue su mejor trabajo".

Imagen de encabezado: Foto de la protesta PAIN (Prescription Addiction Intervention Now) en el Louvre el 1 de julio de 2019 por Stephane de Sakutin / AFP a través de Getty Images. Todas las otras fotos acreditadas en el cuerpo del artículo.

Imágenes de DA Rovinskii de Lubki, ruso (siglos XVIII-XIX)

"Kot". [Cat]

https://publicdomainreview.org/collection/d-a-rovinskiis-collection-of-russian-lubki-18th%E2%80%9319th-century

Los orígenes de los grabados rusos llamados lubki (lubok singular) parecen remontarse a los años 1500, cuando el arte de la impresión en bloque se introdujo en Rusia desde Asia oriental, aproximadamente al mismo tiempo que los comerciantes hanseáticos alemanes trajeron los primeros libros impresos a Moscú. Como comenta Adela Roatcap :

 

La Biblia Pauperum, el Ars Morendi, la Biblia Piscator, la Biblia Wittenberg de 1514 o la Crónica de Nuremberg, y grabados de Lucas Cranach, Albert Dürer y otros artistas de Europa occidental, sirvieron de inspiración para los primeros lubki.

Los lubki sobrevivientes más antiguos, según Roatcap, fueron impresos en Kiev (actual Ucrania) en 1625 y representaban figuras y escenas religiosas ortodoxas. De hecho, muchos estudiosos piensan que lubki ganó popularidad como un sustituto barato de los íconos religiosos y fue utilizado por personas de las clases bajas y medias para decorar las paredes de las casas y las tabernas.

 

Los lubki presentados aquí son de la colección de Dimitrii Aleksandrovich Rovinskii, un jurista de alto rango en el Moscú del siglo XIX, que dedicó su tiempo libre a su mayor pasión, el arte popular ruso. En 1881 publicó la primera entrega de sus Imágenes Folclóricas Rusas de doce volúmenes , mostrando reproducciones de su colección junto con comentarios, un libro que ahora ha sido digitalizado y puesto a disposición en línea por la Biblioteca Pública de Nueva York. En el libro, como era de esperar, no se encuentran pocos temas religiosos.

 

"Kartiny iz Biblii i Apokalipsisa, raboty mastera Korenia" [Pintura de la Biblia y el Apocalipsis, por Master Root]

Pero también hay muchos temas seculares. Probablemente dos de los más famosos de estos estampados seculares son de gatos. El primero es el lubok de 1760 titulado The Mice Are Burying the Cat, una escena carnavalesca que se burla de los emperadores y emperatrices de Rusia. El subtítulo sobre el gato dice: "El gato de Kazán, la mente de Astrakhan, la sabiduría de Siberia" (parodiando el elaborado título del líder ruso).

 

"Myshi kota pogrebaiut (graviura na dereve)" [Los ratones están enterrando al gato] 

 

El segundo se titula simplemente Gato (o El gato de Kazán) y a veces se le atribuye al artista Vasili Loren (ver la impresión principal más arriba). Aquí, nuevamente, el tema es aparentemente uno de los líderes de Rusia: Pedro el Grande, quien, después de un viaje a la corte afeitada de Luis XIV, emitió un edicto que obliga a los rusos a cortarse la barba o pagar un impuesto anual. El subtítulo sobre la cabeza de la criatura dice : "El gato de Kazán, a la manera de Astrakhan, en razón de Siberia, vive gloriosamente, se las arregla agradablemente y se tira pedos dulcemente".

 

 

El "espíritu del humor popular medieval", en palabras de la erudita Dianne Ecklund Farrell, impregna a estos coloridos precursores de las historietas. Una fascinación por los animales, los monstruos y las figuras humanas caricaturescas es evidente en todas partes. Si bien los lectores no rusos no siempre sabemos exactamente lo que está sucediendo en las impresiones, de todos modos estamos impresionados y encantados.

Yggdrasil: el sagrado fresno de la mitología nórdica

"Yggdrasill, el árbol mundano", Baxter's Patent Oil Printing, de una placa incluida en la traducción al inglés de la prosa Edda por Oluf Olufsen Bagge (1847) 

https://publicdomainreview.org/collection/yggdrasil-the-sacred-ash-tree-of-norse-mythology

Con sus ramas en los cielos y sus raíces en el inframundo, el Árbol Cósmico es una característica común de las religiones y mitologías en todo el mundo. Se han registrado historias de tales árboles en América, Asia, India, África, Medio Oriente y Europa, y aunque las especies y los detalles pueden variar de un lugar a otro, una cosa casi siempre es cierta: el Árbol Cósmico es fundamental para La estructura del universo.

 

El sagrado nórdico Yggdrasil, dice EO James en su clásico estudio arqueológico El árbol de la vida (1966), es quizás "el árbol cósmico por excelencia". Un fresno gigante descrito tanto en la Edda poética como en la Edda en prosa del siglo XIII de Snorri Sturluson, Yggdrasil se encuentra en el centro absoluto del cosmos nórdico. Sus raíces lo conectan con los Nueve Mundos, y es atendido por las tres Norns Urðr, Verðandi y Skuld (poderosas figuras femeninas que corresponden aproximadamente a los tres Destinos de Grecia), que lo riegan del pozo mágico de Urðr.

 

"Norns", de Die Helden und Götter des Nordens, oder das Buch der Sagen (1832)

Alois Delug's The Norns , Óleo sobre lienzo (1895) - Fuente .

Probablemente la historia más famosa asociada con Yggdrasil concierne a Odin, quien para obtener la sabiduría de las runas y el favor de las Norns colgó boca abajo "nueve largas noches, / herido con una lanza [...] / en ese árbol del cual no el hombre sabe dónde corren sus raíces

 

Odin se sacrifica colgándose del árbol mundial Yggdrasil (que está habitado por varias criaturas), como lo atestigua en Hávamál . Ilustración de Den ældre Eddas Gudesange de Karl Gjellerup (1895)

Ilustración de Franz Stassen de Odin Hanging on Yggdrasil, en The Edda (1920) de Hans von Wolzogen

En la cosmología nórdica, no hay una entidad más importante que Yggdrasil. Cuando muere, nos dicen los mitos, todo el mundo de los dioses muere con él. Casi todos los textos nórdicos que mencionan a Yggdrasil enfatizan que el árbol no solo es sagrado, es mortal y necesita urgentemente compasión y protección. Odin, en la Edda Poética, dice que Yggdrasil "sufre agonía / más de lo que los hombres saben, un ciervo lo mordisquea arriba, pero a su lado está decayendo, y Níðhöggr [una serpiente o dragón malicioso] lo rasga debajo". En otras partes de Eddas, se nos dice que innumerables serpientes peligrosas se deslizan debajo de Yggdrasil; una ardilla corre constantemente arriba y abajo de su tronco, trayendo noticias; y Gullinkambi, uno de los tres gallos cuyo canto indicará a Ragnarök (el Crepúsculo de los Dioses), anida en el dosel superior de Yggdrasil como un centinela.

 

Imagen de Yggdrasil en el manuscrito islandés del siglo XVII AM 738, alojado en el Instituto Árni Magnússon en Islandia. La serpiente Níðhöggr es visible debajo del tronco de Yggdrasil y el gallo Gullinkambi hacia su parte superior.

Los profundos orígenes de Yggdrasil son misteriosos. La erudita inglesa Hilda Ellis Davidson ha sugerido plausiblemente que su mitología se desarrolló a partir de antiguas tradiciones chamánicas del norte de Eurasia, según la cual se creía que un árbol que se elevaba por el centro del mundo actuaba como una especie de escalera para descender al inframundo o ascender al cielo . Tal concepto es familiar en muchas culturas, desde el húngaro égig érő fa (árbol en topless), hasta la higuera sagrada india védica llamada ashvattha (que Krishna, en los Upanishads, dice que no tiene principio ni fin), hasta su descendiente budista , el Bodhi, bajo el cual Gautama alcanzó la iluminación.

 

Ciertamente, la tradición de los árboles sagrados ha encontrado un papel duradero en la cultura escandinava. Los árboles Warden, conocidos como tuntre en noruego y vårdträd en sueco, todavía se plantan en el lugar central de muchas granjas en la actualidad. Se cree que estos árboles, si se cuidan bien, traen buena suerte a la granja y a las personas que viven allí. Es una creencia no muy alejada de la tradición antigua, que sostenía que la corte de los dioses estaba "guardada debajo de una gran ceniza y fue allí donde impusieron justicia".